Las nuevas tecnologías unidas a un entorno motivador dentro del territorio español lleno de cultura, de parajes en los que la huella latina, raíz del idioma español es fundamental para la adquisición y toma de conciencia de cómo se aprende verdaderamente la lengua. Mérida, Sevilla, Badajoz, Cáceres, cuentan con una impronta verdaderamente interesante para aprender la lengua y cultura española. En breve, podremos hablar de un proyecto con fuerza, ingenio y con suficientes recursos para quienes, independientemente del país de origen en el que residan inteligentemente elijan aprender el idioma español. Para quienes deseen recibir más información no duden en contactar. (jriquelmeib@hotmail.com), aunque seguiremos informando del progreso del proyecto en este blog.
Como ejemplo de la diversidad de ciudades y pueblos, pongamos a Mérida.
Aunque la comarca de Mérida ya estaba habitada desde
tiempos remotos, la llegada de los pobladores romanos supuso un cambio
sustancial para este punto estratégico, por su ubicación cercana al
río Guadiana y por ser un nudo esencial de las comunicaciones de la
época.
Mérida (Emérita Augusta) se convirtió en un destacado centro jurídico, económico, militar y cultural del Imperio Romano.
Fruto de la vida de aquella población romana, la
ciudad conserva muchos monumentos que permiten al viajero trasladarse
en el tiempo hasta aquella época de esplendor para la ciudad.
El paso posterior por la ciudad de visigodos, árabes y cristianos ha dejado un legado cultural importantísimo.
El auge de Mérida unido al trabajo de las
instituciones provinciales y autonómicas motivaron que en diciembre
de 1993 la UNESCO declarara el Conjunto Arqueológico Emeritense fuera
declarado Patrimonio de la Humanidad. Además, es la única ciudad en España que ostenta la denominación de Conjunto Histórico Arqueológico.
Obtiene el título de arquitecto en la Escuela
Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, donde se graduó en 1961. Durante sus estudios colaboró en varios proyectos
con Francisco Javier Sáenz de
Oiza (1956-1961). Trabajó a continuación durante los años 1961 y 1962 en el despacho de Jorn Utzon en Hellebaek
(Dinamarca), el autor del famoso
edificio de la ópera de Sídney.
En 1963 recibió una beca de dos años para
estudiar en la Academia de España en Roma,
estancia que tuvo gran influencia sobre su trabajo posterior. Volvió a España en
1965 y fue en primer lugar profesor adjunto
en la Escuela de Arquitectura de Madrid (1966-1970). En 1972 ganó la Cátedra de Elementos de
Composición en la ETSAB,
lo que le llevó a vivir durante casi diez años en Barcelona, hasta que en 1980 ganó la oposición a catedrático de composición en la
Escuela de Arquitectura de Madrid, que abandonó tras unos años de ejercicio.
En 1973 Moneo había establecido su propio
despacho en Madrid, compaginando desde entonces por un igual el diseño
arquitectónico con la enseñanza. En ambas actividades denunció la tendencia
moderna de crear edificios con criterios de corto plazo, y defendió el diseño de
obras que puedan mantenerse actuales durante un largo tiempo, a modo de
monumentos. En la línea de lo que ha sido llamado el racionalismo contextual,
Moneo no sigue las corrientes de utilitarismo y expresionismo europeas, sino que refleja en sus obras una versión
suavizada del estilo nórdico y de la tradición holandesa. A todo ello, Moneo suma su propia
visión de la arquitectura histórica. Las obras de los años 60 son las que reflejan mejor estas ideas.
En 1976 Moneo fue invitado a los Estados Unidos, donde
trabajó en el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos de Nueva York y dio
clases en la Cooper Union School of Architecture (Nueva York). Durante los años siguientes impartió
clases también en Princeton y Harvard y en el departamento de Arquitectura de la
Escuela Politécnica
Federal de Lausana (Suiza).
Su "Centro cultural y auditorio del Kursaal" en San Sebastián, descrito por Moneo como un
elemento mediador entre lo natural y lo abstracto, en la línea del pensamiento
oteiciano, despertó el interés de la crítica; por el giro que suponía en el
trabajo del arquitecto navarro. Una obra conflictiva que supuso numerosas
críticas al arquitecto, un error provocó el derrumbamiento durante la obra de la
gran escalera del edificio principal (afortunadamente sin víctimas). Se ha
convertido, una vez finalizada, en un icono de la ciudad.
Moneo en el Paseo del
Prado
El entorno del madrileño Paseo del Prado es testigo privilegiado del
trabajo del arquitecto navarro. En dicha área Rafael Moneo ha dejado tres de sus
obras de madurez más representativas de una parte de su pensamiento: la
transformación del Palacio de Villahermosa para acoger el
Museo
Thyssen-Bornemisza, la ampliación del Banco de España (una actuación polémica
por el mimetismo formal empleado por Moneo) y la ampliación del Museo del Prado.
Las tres obras mencionadas han contado con el beneplácito de los
administradores públicos y del público general, pero han alejado su trabajo de
la vanguardia disciplinar a la que perteneció en los años 80. La ampliación del
Museo del Prado fue
el resultado de un segundo concurso, tras un certamen internacional cuyo primer
premio quedó desierto.
Moneo ha sido también un estudioso del diseño de mobiliario, que ha impulsado
apoyando incluso iniciativas empresariales como B.D.
Ediciones de Diseño y abordando él mismo el diseño y contratación del
mobiliario de muchos de sus proyectos arquitectónicos.
Casa Gómez Acebo, Soto de la Moraleja (Madrid) (1966)
Edificio Urumea, San Sebastián (1969-1973)
Viviendas del Paseo de la Habana núm. 71, Madrid (1971)
Ampliación de la sede principal de Bankinter, Paseo de la Castellana (Madrid)
(1972-1976), junto con Ramón Bescós, considerada una de sus primera obras
trascendentales, combinando lo antiguo y lo moderno
El arte románico y en especial la iglesia románica tiene una funcionalidad y una simbología propia, nada es arbitrario. Lo mismo ocurre con las artes decorativas, sobre todo, con la escultura y la pintura. Ambas, son servidumbre de la arquitectura y están subordinadas a ella, y las dos tienen una finalidad concreta. Los fines de la escultura y la pintura, es tanto decorativa como didáctica. El objeto claro es enseñar y da a conocer al pueblo iletrado la Palabra Divina, los hechos que narran la Santa Biblia, los castigos que esperan a los pecadores y viciosos, todo ello, a través de figuras con características y simbología propia, de ahí, las figuras de terribles animales, por ello, la "fealdad" de algunas fieras. En definitiva, la finalidad última de la decoración románica, es la de catequizar visualmente al pueblo sencillo e iletrado.
La arquitectura románica, al igual que la pintura y la escultura, encierran un fuerte contenido simbólico. Siguiendo los escritos de Siscardo de Cremona en su obra "Mítrate" (1160-1215) que bebe de la obra de Honorius Augustodinensis en su obra "De Gemma Animae". El templo en sí mismo, es la prefiguración de la Jerusalen Celestial y simboliza la morada de Dios. En cuanto a su orientación, la cabecera está orientada hacia el este (desde el S.V) porque al este sale el sol, símbolo de Cristo como sol de justicia; también porque hacie el este está Palestina y porque hacia el este se situaba el Paraíso Terrenal. La planta simboliza el cuerpo humano. El ábside es la cabeza; el crucero es el pecho; los brazos y las naves el resto. También simboliza la cruz de cristo.
Las partes de la iglesia simbolizan; la nave central simboliza un ámbito terrena , ya que está dividida en tramos cuadrados y para casi todas las religiones el cuadrado es el símbolo de la tierra. Todo lo terrestre tiene un ritmo cuaternario (las 4 estaciones, los 4 puntos cardinales..). Esta nave está definida por el ritmo de los arcos de medio punto que a modo de olas empujan al fiel hacia el ábside.El crucero une simbólicamente la tierra al cielo. El tramo cuadrado (la tierra) se cubre con cúpula (el cielo). El ábside es el tramo divino, es allí donde está el altar, lugar de sacrificio y centro del ritual. La piedra simboliza la roca de cristo. Las columnas son los obispos sobre los que se apoyan la iglesia de Cristo. Las vigas que mantienen la construcción son los príncipes de la Tierra que proporcionan a la Iglesia su protección. Las tejas que previenen de la lluvia son los soldados que protegen a la iglesia de paganos y herejes. El pavimento es el pueblo gracias a cuyo trabajo se mantiene la Iglesia. Las ventanas que dejan pasar la luz son los doctores de la Iglesia que resisten las herejías y que desparraman luz en las enseñanzas de la Iglesia. La puerta es el símbolo de cristo "Yo soy la puerta, el que pase por mí estará a salvo". Simboliza el paso de lo terreno a lo celestial. Las torres son símbolos cósmicos. Las escaleras de caracol, en el interior del templo, son los caminos secretos. Las criptas, construídas bajo el suelo, simbolizan a los que cultivan la vida interior, (debemos recordar que aquí se guardaban las reliquias).
Los textos de la época hacen del Claustro de los Monasterios una prefiguración del Paraíso, y del monasterio mismo el Eden. Al igual que los justos son separados de los pecadores, así los que profesan la vida religiosa son alejados de los seglares del monasterio.
Para llegar al conocimiento de este mundo simbólico es necesario seguirlo a través de los textos de la época, e incluso anteriores, como los Textos de Prudencio o los Bestiarios que utilizaban simbólicamente la vida de los animales reales o míticos y que se encuentran inspirados en una obra anónima del siglo V el Physiologus.
This section of Spanish Language Methodology is dedicated to offer a tutor of Spanish Language. Also is very important at first to provide an on-line outline of the various considerations that could be defined as falling into the general realm of teaching methodology. The ways teachers have gone about the teaching of foreign languages have seen enormous changes over the past century. It is worth establishing basic definitions, looking at what "language learning principles" mean, examining the ways teaching has been accomplished in the past, what research has taught us along the way, and what is seen to be the enlightened, eclectic view of the present.
Detailed summaries of various language teaching methods developed and used over the past century, including the Grammar Translation Method, The Direct Method, The Audiolingual Method, Community Language Teaching, Suggestopedia, Total Physical Response and The Natural Approach.
You will learning Spanish Language with a Communicative Teaching Methodology, an effective teaching method to learn Spanish, enjoy it!.
•Language teaching method's main objective: the improvement of students communication skills.
•Spontaneous and creative use of language: we encourage it. Meaning is given precedence over form.
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contact me!:
JUAN ANDRÉS RIQUELME IBÁÑEZ.
MASTER DEGREE IN SPANISH LANGUAGE (UNIVERSITY OF SALAMANCA)
E-MAIL: jriquelmeib@hotmail.com
Dedicado especialmente a aquellos amigos y amigas (en especial a alguien a quien ya dediqué un artículo) que creyeron y siguieron creyendo en la simplicidad y naturalidad de la vida, de los efectos positivos de la madre naturaleza, de aquellos que creyeron y siguieron creyendo en las personas. Para aquellos que se preocupan por la evolución o involución económica y sus efectos devastadores, para aquellos que apuestan definitivamente por el ser humano apartando otros elementos superfluos. Para aquellos que no priorizan la religión ni envenenan con supuestos partidistas y que ante cualquier adversidad deciden apoyarse en sus seres más cercanos. Sin duda parece una utopía en el año 2012, pero echemos un vistazo a estas sociedades ancestrales, ajenas a cualquier atisbo tecnologico y que sin embargo, sobreviven sin la amenaza de nuestras sociedades llamadas "modernas". Los mayas se preocupaban por el final del mundo en el 2012, qué ingenuos, ahora en el 2012 la gente del primer mundo se preocupa más por el final de mes(es broma). En fin, que pese a los listos que nos creemos, que no inteligentes,debemos saber que convivimos con sociedades que nos dan lecciones de moralidad y que nos hacen mirar hacia abajo ruborizados. Mientras, gran parte de los "listos" seguiremos mirando hacia arriba, dedicando nuestro tiempo a oír y apoyar a líderes terrenales que nos sesgan parte de nuestra personalidad y nos privan de algo muy valioso; nuestra libertad.
En este video podemos vivir el momento en el que el antropólogo belga Jean Pierre Dutilleux toma contacto con la tribu Toulambis hacia 1976. Es la primera vez que tenían contacto con el hombre blanco y con algunos objetos, muestra de su evolución tecnológica a través de los tiempos.
Presencia europea en Papua Nueva Guinea
Cuando los primeros exploradores europeos llegaron a Nueva Guinea, los habitantes de ésta y otras islas vecinas tenían un sistema de agricultura productivo en el que aún se utilizaban herramientas de hueso, de madera y de piedra. Comerciaron con los isleños a lo largo de la costa principalmente con productos cerámicos, adornos de conchas y productos alimentarios básicos. También se adentraron a otras zonas, pues intercambiaron productos del bosque por bienes marinos.
Probablemente fueron los navegantes portugueses y españoles los que avistaron primero Nueva Guinea a principios del siglo XVI. Entre 1526 y 1527, don Jorge de Meneses llegó accidentalmente a la isla principal y la llamó Papúa, una palabra malaya que designa el carácter rizado del pelo de los melanesios. En 1545, el español Yñigo Ortiz de Retez añadió el término Nueva Guinea al nombre de la isla al observar un parecido entre los habitantes de la isla y los de la costa de Guinea (África).
Aunque en los próximos 170 años numerosos navegantes europeos visitaron las islas y exploraron sus costas, no se sabía gran cosa de sus habitantes hasta que a finales del siglo XIX, el antropólogo ruso Nicolai Miklukho-Maklai convivió varios años con las diferentes tribus y describió su modo de vida en un extenso informe. Posteriormente otro antropólogo polaco llamado Bronislaw Malinowski se quedó aislado en la Primera Guerra Mundial en las islas Trobriand estudiando a sus habitantes. Periodo colonial
Territorios coloniales de Nueva Guinea 1884-1919: En rojo Nueva Guinea Británica, en plomo oscuro Nueva Guinea Alemana y en naranja Nueva Guinea Holandesa Estando la mitad occidental de la isla de Nueva Guinea bajo la administración de los Países Bajos, la parte suroriental fue recién colonizada en 1883 por la colonia británica de Queensland (Australia) contraviniendo los deseos del gobierno británico. Alemania colonizó el cuarto nororiental restante el 3 de noviembre de 1884 llamándolo Kaiser-Wilhelmsland, izando la bandera de la recién fundada Neuguinea-Kompagnie e incluyendo a Nueva Bretaña (rebautizándola Archipiélago Bismarck) y a las Islas Salomón Alemanas.
El 6 de noviembre de 1884 se proclama formalmente el protectorado de la Nueva Guinea Británica y el 1 de abril de 1899 el protectorado de la Nueva Guinea Alemana.
La Nueva Guinea Británica fue transferida a la autoridad de la Mancomunidad de Australia en 1902, en base al Acta de Papúa de 1905, y pasa a llamarse Territorio de Papúa y una administración formal australiana comenzó en 1906.
Iniciada la I Guerra Mundial, Australia se hace en posesión del Kaiser-Wilhelmsland y las islas vecinas en 1914; después del Tratado de Versalles de 1919, Alemania pierde todas sus colonias convirtiéndose en el Territorio de Nueva Guinea dependiente de la Sociedad de Naciones bajo administración australiana hasta 1949.
Papúa fue administrada bajo el Acta de Papúa hasta que fue invadida por los japoneses en 1941, y la administración civil fue suspendida. Durante la guerra, Papúa fue gobernada por una administración militar desde Port Moresby, donde el general Douglas MacArthur ocasionalmente tenía sus cuarteles. Territorio de Papúa y Nueva Guinea
Luego de la rendición de los japoneses en 1945, la administración civil de Papúa y de Nueva Guinea fueron restauradas, bajo el Acta de Administración Provisional de Papúa Nueva Guinea (1945 - 46), Papúa y Nueva Guinea fueron combinadas en una unión administrativa.
Estando como territorios australianos, se fusionan Papúa con Nueva Guinea bajo el Acta de Papúa y Nueva Guinea de 1949 aprobándose formalmente el establecimiento bajo el sistema internacional fideicomisario y confirmó esta unión administrativa bajo el nombre de Territorio de Papúa y Nueva Guinea. El acta proveyó un Consejo Legislativo (establecido en 1951), una organización judicial, un servicio público, y un sistema de gobiernos locales. Una Cámara de Representantes reemplazó al Consejo Legislativo en 1963. En 1972, el nombre del territorio fue cambiado a Papúa Nueva Guinea.
Independencia
Las elecciones de 1972 dieron paso a la formación de un ministerio dirigido por Michael Somare, quien prometió implantar un gobierno autónomo para más tarde alcanzar la independencia. En efecto, el 1 de diciembre de 1973 Papúa Nueva Guinea pasó a ser dirigida por un gobierno autónomo, y más tarde, el 16 de septiembre de 1975, alcanzó la independencia.
Tras las elecciones nacionales de 1977, Somare fue nombrado Primer Ministro con el apoyo de una coalición dirigida por el partido Pangu. Sin embargo, su gobierno empezó a perder la confianza del pueblo y fue reemplazado por un nuevo gabinete con Julius Chan como Primer Ministro.
En las elecciones de 1982 el partido Pangu volvió a ganar popularidad y Somare salió otra vez elegido. Sin embargo, en noviembre de 1985, el gobierno volvió a perder apoyos, lo que dio paso a que Paias Wingti saliese elegido en las elecciones de julio de 1987 con el respaldo de una coalición de cinco partidos. Sin embargo, en julio de 1988, otra vez por falta de confianza, Rabbie Namaliu, quien semanas antes había reemplazado a Somare en la dirección del partido Pangu, pasó a ocupar el cargo de Primer Ministro.
En Rafael Sanzio (1483-1520) se funden equilibradamente los presupuestos de la pintura anterior: naturalismo, idealismo, racionalismo compositivo. No es pintor ecléctico, pese a las resonancias de sus predecesores, sino de gran personalidad, tamizando las distintas influencias y subordinando todo a la belleza ideal. Entre sus composiciones habría que distinguir de un lado las pequeñas tablas de la Sagrada Familia, de la Virgen con el Niño y San Juan y las Sagradas Conversaciones, por lo general sometidas a estructuraciones triangulares como la Sagrada Familia del cordero (Prado). Composiciones que en ocasiones se abren al espectador por la mirada o gesto de alguna de las figuras: Virgen de la silla (Florencia. Pitti). Otro grupo lo forman los temas de la vida de Jesús, en un tono teatral y aparatoso, de gestos muy diferenciados, perdiendo los personajes la morbidez y gracia amable de sus otras obras. Corresponde este estilo a sus últimos trabajos (Pasmo de Sicilia, Transfiguración), pero se manifiesta ya en otros más tempranos. Mención aparte merecen las Estancias Vaticanas, pintadas por encargo de Julio II al tiempo que Bramante y Miguel Ángel acometían sus respectivas obras. En la de la Signatura los cuatros frescos exponen un programa humanístico:teología, filosofía, poesía y jurisprudencia escenificadas en la Disputa del Sacramento, la Escuela de Atenas, el Parnaso y las Virtudes cardinales. En la Escuela de Atenas una arquitectura bramantesca es marco de una reunión de filósofos de la antigüedad, cuyos gestos materializan la esencia de su actitud filosófica. Platón y Aristóteles centran la composición. Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y algunos humanistas aparecen retratados en el papel de diferentes pensadores. Destacó también como retratista, siendo uno de sus más notables retratos El Cardenal (Museo del Prado), donde se palpan sus dotes de colorista. La fecha de la muerte de Rafael (1520) como fin de la pintura renacentista no es válida para la escuela veneciana, que queda al margen del Manierismo en los dos primeros tercios del Cinquecento. La tradición colorista del quattrocento se exalta en las nuevas generaciones favorecida por la implantación del lienzo que facilita una técnica más jugosa y rápida.
El Hércules Farnesio (o Heracles Farnese) es una copia romana de mármol de comienzos del siglo III, obra de un tal Glicó, de la obra original en bronce creada por Lisipo en el siglo IV a. C. Se encontró en 1546 en las Termas de Caracalla, en Roma y en seguida pasó a formar parte de la colección de escultura clásica del cardenal Alejandro Farnesio, hijo del Papa Pablo III. Durante generaciones decoró el Palacio Farnese, hasta que en 1787 fue trasladada a Nápoles, junto a toda la colección Farnese, que se puede contemplar en el Museo Arqueológico Nacional.
La figura de Heracles, el héroe griego, personificaba el triunfo del valor y el coraje del hombre, sobre la serie de pruebas que le habían impuesto los dioses celosos. A él, hijo de Zeus, le habían concedido el don de la inmortalidad. En el periodo clásico, se había acentuado su papel como salvador de la humanidad, pero también poseía defectos mortales como la lujuria y la avidez.
La interpretación que hizo Lisipo del bronce que quería reflejar estos aspectos de su naturaleza mortal y le otorgó al héroe un retrato que constituyó un modelo durante el resto de la antigüedad y fijó la imagen de Hércules en el imaginario europeo. De hecho, además e la copia de mármol colosal exhibida en Nápoles, se conocen dos estatuas más, una de bronce, copia helenística o romana, encontrada en Foligno y que se conserva en París en el Museo del Louvre, y una de mármol, probablemente griega o del periodo romano, que se puede contemplar en el museo de la antigua Agora de Atenas.
La estatua representa al héroe fatigado al término de sus trabajos, que descansa apoyándose en su bastón. Sobre el bastón está la piel del León de Nemea, muerto por Heracles en uno de sus trabajos. Con la mano derecha, detrás de la espalda, el héroe aguanta las manzanas de oro del jardín de las Hespérides, que le aseguran la vida eterna. Pero en la figura se representa el cansancio del hombre. La masiva musculatura da la impresión de una potencia exhausta.
El Hercules Farnesio, de 317 cm de altura, fue muy célebre entre los romanos y se han encontrado copias de palacios y gimnasios romanos. Otra copia realizada en la Roma Clásica, más basta se encontraba, desde el siglo XVI al XVIII, también en el patio del Palacio Farnese (llamado el Hércules latino). Esta copia, fue hecha para formar pareja con el Hércules Farnese, y decorar las Termas de Caracalla. En el siglo XVIII, pasó a pertenece a los Borbones napolitanos y desde su origen forma parte de la decoración de la escalera principal del palacio real de Copodimonte cerca de Nápoles. Otra con la inscripción simulada “Lykippos” estuvo en el patio del Palacio Pitti de Florencia hasta el siglo XVI.
La estatua del Hércules Farnese fue reconstruida y restaurada en diversas etapas. Según una carta de Guglielmo della Porta, discípulo de Miguel Ángel, que fue quien hizo las gestiones para el cardenal Farnesio, la cabeza se encontró separada del cuerpo, en un pozo del Trastevere. La mano y el antebrazo izquierdo, que faltaban, fueron sustituidos por una reconstrucción en yeso. Las piernas, se dieron por perdidas y se le encargó al mismo Della Porta que hiciese unas nuevas. Su obra fue tan perfeccionista que, cuando más adelante se encontraron las piernas originales en unas excavaciones en las Termas de Caracalla, las piernas sustitutorias se le dejaron a la estatua por consejo de Buonarroti, para demostrar que los escultores modernos no tenían nada que envidiar a los clásicos. Las piernas originales, que se encontraban en la Colección Borghese, no se restituyeron a la estatua hasta 1787. Goethe, en su viaje a Italia, explica la impresión que le causó ver la escultura con cada uno de los juegos de piernas diferentes, y se maravilló de la clara superioridad de las originales.
La fama del Hércules Farnese del patio del Palacio Farnese, se extendió gracias a una serie de reproducciones, como el grabado incluido en la serie Speculum Romanae Magnificentiae ('Espejo de la Magnificiencia Romana', 1562), otro realizado por Hendrick Goltzius (1590-1591), un boceto de Rubens... que lo dieron a conocer al público occidental. Incluso estuvo a punto de terminar en el Louvre durante la época napoleónica, a requerimiento del emperador.
Tras el hallazgo de la estatua en Roma, en 1574 Diego de Pesquera realizó en Sevilla la primera gran copia del Hércules Farnese. Destinada a coronar una de las dos columnas que formaban el monumento, primer civil erigido en la ciudad, la cual entonces era la capital del mundo. El monumento era la portada del también singular jardín público de la Alameda de Hércules (1574), el más antiguo jardín público o parque conservado en Europa.[1] Fue tan célebre, que los siglos XVII y XVIII se hicieron copias en toda Europa. Otra versión colosal de 8,5 m está en el parque de Wilhelmshöse en Kassel; otra de plomo está en el castillo de Blair en Escocia, etc.
